La carbonara (Italia, 2000) di Luigi Magni. Con Lucrezia Lante della Rovere (Cecilia, "la Carbonara"), Fabrizio Gifuni (Zaccaria), Valerio Mastandrea (Fabrizio), Nino Manfredi (il Cardinale), Claudio Amendola (Lupone), Pierfrancesco Favino (il sergente), Alberto Alemanno (il capitano), Fernando Cerulli (il Principe di Collepardo), Pino Ingrosso (il cantante), Andrea Garinei (il ritrattista), Marina Jlina (Bella Rosa), Marina Lorenzi (Angelina), Massimo Reali (il principe azzurro).

Che tristezza, vedere quanto sia caduto in basso il bravo Gigi Magni. Non c'è proprio niente da salvare in questa pellicola malnata e malriuscita. Non ha niente da spartire con film dall'ironia caustica ed anticlericale come Nell'anno del Signore o In nome del Papa Re, ma perfino il mediocre In nome del popolo sovrano è diverse spanne sopra. Qui proprio non si sa, fin dalla sceneggiatura (bucata come un colabrodo, con particolari che non tornano neanche a pagarli: tanto per fare un esempio: Cecilia entra di notte in casa del capitano delle guardie senza neanche bussare), dove andare a parare ed un finale interminabile sembra brancolare alla ricerca di una conclusione quanto meno plausibile, che non viene trovata. La trasformazione del carbonaro Zaccaria in un oste di campagna fa tristemente venire alla mente il finale di Sette chili in sette giorni (sì, proprio il film con Verdone e Pozzetto), dove i due protagonisti trasformano la clinica per dimagrire nel ristorante "I due porconi". Gifuni (che, suvvia, non è poi quel granché come attore) e Mastandrea sono completamente fuori parte, per non parlare di Claudio Amendola. Lucrezia Lante della Rovere forse è troppo vecchia per la parte e sicuramente non sa recitare. Quanto, infine, a farla passare per "la più bella donna di Roma" ce ne vuole di coraggio: figuriamoci le altre!

Ricordati di me (Italia, 2003) di Gabriele Muccino. Con Fabrizio Bentivoglio (Carlo Ristuccia), Laura Morante (Giulia), Nicoletta Romanoff (Valentina Ristuccia), Silvio Muccino (Paolo Ristuccia), Monica Bellucci (Alessia), Gabriele Lavia (Alfredo), Enrico Silvestrin (Stefano Manni), Silvia Cohen (Elena), Pietro Taricone (Paolo Tucci), Alberto Gimignani (Riccardo), Amanda Sandrelli (Louise), Blas Roca Rey (Matt), Giulia Michelini (Ilaria), Andrea Roncato (Luigi), Maria Chiara Augenti (Anna Pezzi).

Epigono della commedia all'italiana, alla quale vorrebbe aggiungere (forse) un "retrogusto" amarognolo, senza riuscirci, Ricordati di me (ennesimo titolo mutuato da una canzone di Venditti) è il simbolo del cinema italiano agli inizi degli anni Duemila: falso e vuoto come i personaggi deteriori il cui comportamento finge di denunciare, salvo perdonarli tutti in un grande volemosebbene finale, dove tutti tornano, più maturi e consapevoli, al proprio posto. Da antologia dell'antisceneggiatura l'espediente dell'investimento automobilistico e tutte le assurde conseguenze che ne derivano. A parte l'aspetto economico, continua a rimanere misterioso perché attori seri come Bentivoglio e la Morante (il migliore è senza dubbio Lavia) si buttino via in film di questo tipo (forse perché il cinema italiano non offriva loro niente di meglio?). Muccino senior si conferma bravissimo nel dirigere il niente e vola meritatamente a Hollywood. Speriamo che ci resti a lungo.

Scusate il ritardo (Italia, 1983) di Massimo Troisi. Con Massimo Troisi (Vincenzo Rocco), Giuliana De Sio (Anna), Lello Arena (Tonino), Lina Polito (Patrizia Rocco), Francesco Acampora (Alfredo Rocco), Olimpia Di Maio (la mamma), Nicola Esposito (il professore), Luigi Uzzo (il ferroviere).

Quando uscì il secondo film di Troisi regista, dopo gli entusiasmi suscitati da Ricomincio da tre, qualcuno storse un po' il naso. Questo Scusate il ritardo, invece, è da rivalutare ampiamente. All'epoca della sua uscita, vidi il film al cinema, ma ricordo che non riuscii a capire molto, nel senso che mi sfuggiva sia gran parte del parlato partenopeo di Troisi sia il senso di molti dei suoi sproloqui. E' un film scritto bene (da Troisi e Anna Pavignano), ben recitato - oltre che dal protagonista anche da Giuliana De Sio e Lello Arena - con una regia discreta, che conosce i propri limiti e non cerca mai di strafare. Naturalmente il limite del film è quello di essere tutto al servizio del "nuovo comico", però, in questo caso, ben venga, perché Troisi scrive almeno cinque o sei scenette notevolissime (tra le quali la telefonata, il regalo alla mamma, la Madonnina che piange, gli sfoghi di Tonino, quella del "ti faccio mangiare da zio Vincenzo"), ma anche perché riesce a far trasparire, tra gli sproloqui logorroici del protagonista e i suoi silenzi imbarazzati, l'incapacità di comunicare, propria di un'intera generazione, come e forse meglio che in molti film di Antonioni. Direi che forse è proprio un film come questo, molto più che il celebrato (e sopravvalutato) Postino, a testimoniare il genio di Massimo Troisi.

Consiglio di famiglia (Francia, 1986) di Constantin Costa-Gavras. Con Johnny Hallyday (il padre), Fanny Ardant (la madre), Guy Marchand (Maximilien Faucon), Laurent Romor (François bambino), Rémi Martin (Franòois ragazzo), Juliette Rennes (Martine bambina), Caroline Pochon (Martine ragazza), Ann-Gisel Glass (Sophie), Fabrice Luchini (l'avvocato balordo), Julien Bertheau (il proprietario rapinato), Patrick Bauchau (Octave, il fratello della madre), Anne Macina (Monique).

L'ottimo regista greco Costa-Gavras, autore di ammirevoli film impegnati sui fronti più diversi (dai colonnelli greci ai comunisti cecoslovacchi, dagli intrighi della CIA in Cile ai razzisti made in USA, dagli ex boia nazisti alle omertose gerarchie vaticane ai tempi dell'olocausto), prova con la commedia e rimedia un sonoro fiasco. La storia di questa famiglia borghese di scassinatori, in cui alla fine l'erede maschio dirazza per amore, sta in piedi a malapena, ma non cammina. La colpa è di una sceneggiatura che non sa dove andare a parare, ma anche del regista, che non avrebbe dovuto accettare di girare un film così lontano dalle sue corde. La trama cerca qualche colpo ad effetto, sfiora un paio di volte la comica alla Stanlio e Ollio, tocca di sfuggita il noir, la parodia del film di mafia (il ritorno del padre e Faucon dagli States dove si sono americanizzati), lo psicodramma familiare (l'incontro con il fratello della madre), ma non approfondisce niente, lasciando tutti gli spettatori a bocca asciutta. La colpa, poi, è anche del legnoso Hallyday, incapace di qualsiasi espressione facciale, mentre i veri attori del cast, a cominciare da Fanny Ardant, sono utilizzati poco e male. I primi a dover evitare questo film sono proprio i fan di Costa-Gavras.

Una perfetta coppia di svitati (USA, 1986) di Peter Hyams. Con Billy Crystal (Danny Costanzo), Greg Hines (Ray Hughes), Darlanne Fluegel (Anna Costanzo), Dan Hedaya (il capitano Logan), Joe Pantoliano (snake), Steven Bauer (detective Frank Sigliano), Jon Gries (detective Tony Montoya), Jimmy smits (Julio Gonzales), Tracy Reed (Maryann), Natividad Ríos Kearsley (la donna nuda).

Due poliziotti anticonformisti, un italoamericano e un nero, danno la caccia ad un narcotrafficante di origini sudamericane.

Sulla scia di film come 48 ore (dove però non si trattava di due poliziotti, bensì di un poliziotto e di un galeotto) e prima di Arma letale (1987), una commedia poliziesca ben recitata e dove ai mille stereotipi il regista Hyams riesce a mettere qualcosellina di suo. C'è una bella scena di inseguimento in auto sulle rotaie della metropolitana e, in più, i duetti tra i due protagonisti funzionano a meraviglia. Raramente Chicago è stata fotografata così bene. Siamo comunque nella convenzione poliziesca hollywoodiana e non ci si deve asepttare chissà quali svolazzi. In Una perfetta coppia di svitati c'è, comunque, una libertà espressiva di cui si avverte la mancanza nella maggior parte dei prodotti odierni, che sembrano fatti con lo stampino.

Tutti a casa (Italia/Francia, 1960) di Luigi Comencini. Con Alberto Sordi (il sottotenente Alberto Innocenzi), Serge Reggiani (il geniere Assunto Ceccarelli), Eduardo De Filippo (il padre di Alberto), Carla Gravina (Silvia Modena), Martin Balsam (il serg. Fornaciari), Didi Perego (Caterina Brisigoni), Nino Castelnuovo (l'artigliere Codegato), Mac Ronay (Evaristo Brisigoni), Claudio Gora (il colonnello), Mario Feliciani (il capitano Passerin), Mino Doro (il magg. Nocella), Ugo D'Alessio (il prete).

Lo sbandamento di un battaglione dell'esercito italiano dopo l'8 settembre 1943.

Uno dei migliori film degli annni Sessanta, da vedere e rivedere, grazie ad una serie di situazioni buffe e drammatiche, di personaggi indimenticabili, di battute da mandare a memoria. Stupendi i duetti tra due grandissimi attori, come Sordi e Reggiani. Il giovanissimo Castelnuovo fa la corte alla ragazza ebrea Carla Gravina, dicendole «non siamo tutti cristiani alla fine?».

Il film fu girato, almeno parzialmente, tra le macerie degli edifici bombardati di Livorno.

Aragosta a colazione (Italia/Francia, 1979) di Giorgio Capitani. Con Enrico Montesano (Enrico Tucci), Claude Brasseur (Mario Spinosi), Claudine Auger (Carla Spinosi), Janet Agren (Monique), Silvia Dionisio (Matilde Tucci), Geoffrey Copleston (Duchamp), Cesare Gelli (Franzi), Adriana Innocenti (la cantante), Franca Scagnetti (la vicina dei Tucci), Renzo Ozzano (il maitre del ristorante), Letizia D'Adderio (Domitilla Tucci), Roberto Della Casa (sommelier), Roberto Bonacini (Trocchia).

Un misero rappresentante di commercio pensa di chiedere aiuto economico ad un vecchio compagno di scuola, consorte di una miliardaria. Questi, però, ha bisogno che l'amico, in cambio, si finga il marito dell'amante che ha ospitato in casa all'insaputa della moglie.

Risaputa farsa che ripesca i rimasugli dal repertorio di Feydeau, con un Brasseur impegnato a sembrare frenetico, con un repertorio di smorfie che non convincerebbero un pubblico di bambini, e un Montesano che rispolvera la parodia di Jerry Lewis e qualche fiacca gag del Peter Sellers di Hollywood Party. Va bene che il film di Capitani è stato girato quasi trent'anni fa, ma anche allora sapeva già di muffa. L'unico motivo d'interesse è il corpo di Janet Agren, invitata a spogliarsi ogniqualvolta era presumibile che gli spettatori, nel buio della sala, cominciassero a ronfare.

Perdutamente tuo... mi firmo Macaluso Carmelo fu Giuseppe (Italia, 1975) di Vittorio Sindoni. Con Stefano Satta Flores (Carmelo Macaluso), Macha Méril (la baronessa Valeria Lamìa), Cinzia Monreale (Jessica), Luciano Salce (il barone Alfonso Lamìa), Leopoldo Trieste (don Calogero Liotti), Umberto Orsini (l'avvocato Vito Buscemi), Marisa Laurito (Tindara Liotti), Deddi Savagnone (la moglie di don Calogero), Pino Ferrara (l'avvocato difensore), Renato Pinciroli (don Saverio), Roberto Della Casa (l'impiegato di banca).

Un emigrato siciliano torna dalla Germania nell'isola natale, dalla quale era partito poverissimo, con una Mercedes e cento milioni in contanti. Si vuole riscattare nei confronti del barone che causò il suicidio del padre per un debito di 500 mila lire. Ma la famiglia del barone è ancora rampante...

Perdutamente tuo... è una commedia garbata, di cosiddetta satira sociale, che regge abbastanza bene il ritmo dall'inizio alla fine, senza scadere in inutili volgarità, abbastanza frequenti nei film  di analogo argomento che venivano realizzati durante gli anni settanta. La misura del regista Sindoni, siciliano di Capo d'Orlando, e l'intelligente interpretazione di un attore bravo e molto rimpianto come Stefano Satta Flores (1937-1985) evitano che il film scivoli lungo il pericoloso crinale del filone siculo-buzzanchiano, con maschi ruspanti e dongiovanni da strapazzo. Del resto, anche la presenza di attori di un certo spessore, come la buñueliana Macha Méril (era stata una collega di Catherine Deneuve in Bella di giorno), il felliniano Leopoldo Trieste, nonché di Umberto Orsini, garantiscono una riuscita al di fuori dei binari della volgarità. L'ambientazione siciliana è dignitosissima, e così pure la presenza di Luciano Salce, nella parte di un barone un po' rincoglionito. A titolo di curiosità, si segnala la presenza di una giovane Marisa Laurito, che cerca un paio di volte di spogliarsi, durante un goffo tentativo di seduzione del protagonista.

«Il ritratto è mesto, ma umano; paradossale, ma sostanzialmente credibile.» (B. Caporale, 1976)

Quelle strane occasioni (Italia, 1976) di Nanni Loy, Luigi Magni, Luigi Comencini. 1. Episodio Italian superman: Paolo Villaggio (Giobatta), Valeria Moriconi (Piera), Flavio Bucci (il regista), Lars Bloch (il direttore del teatro); 2. Episodio Il cavalluccio svedese: Nino Manfredi (Antonio Pecoraro), Giovanna "Jinny" Steffan (Cristina), Olga Karlatos (Giovanna Pecoraro), Giovannella Grifeo (Paola Pecoraro), Bryan Rostron (Adam); 3. Episodio L'ascensore: Alberto Sordi (Mons. Ascanio La Costa), Stefania Sandrelli (Donatella), Beba Loncar (la vedova Adami).

1. Un povero emigrato italiano in Olanda, che tira la carretta come venditore ambulante di castagnaccio e lupini, viene ingaggiato da un teatro a luci rosse come stallone; quando la moglie lo scopre, lo perdona a condizione di lavorare con lui; incapace di esibirsi in pubblico con la moglie, però, il pover'uomo sarà soppiantato da un superdotato turco. 2. Un architetto romano, felicemente sposato, riceve a casa la giovane e disinibita figlia di amici svedesi: ci finirà a letto insieme, ma scoprirà anche che sua moglie aveva avuto una tresca con il padre della ragazza. 3. Un sacerdote e una ragazza restano chiusi nell'ascensore di un grande palazzo della periferia romana durante il ponte di Ferragosto: il sacerdote si dimostrerà assatanato e astuto come un fratacchione medievale.

Un film a episodi tutto sommato passabile. Contrariamente a quanto stabilito dalla critica, l'episodio migliore mi sembra il primo (nonostante che Nanni Loy abbia ritirato la firma), con un Paolo Villaggio che all'epoca furoreggiava dopo il successo dei primi due Fantozzi e del Fracchia televisivo: è un momento di cinema talmente trash che non può non diventare di culto. C'è, fra l'altro, una Valeria Moriconi (1931-2005) che, donna già matura, si mostra disinibitamente nuda senza sfigurare, contrariamente a quantoi ne scrive Marco Giusti in Stracult). Il secondo episodio ha alti e bassi, alternando qualche accento sinceramente comico (come quando Manfredi, parlando della figlia che gliene combina di tutti i colori, dice "me dà tante soddisfazioni...") a momenti iirritanti, nei quali, come fece rabbiosamente notare Nanni Moretti in Ecce bombo, il protagonista esibisce senza motivo il proprio pacchetto di sigarette (molti tra i più giovani, a ragione, ricorderanno manfredi più per la sua pubblicità di una nota marca di caffè che per gli innumerevoli film - alcuni anche memorabili - interpretati). L'ultimo episodio è quello che, almeno a livello di sceneggiatura, prometteva di più. Ed in effetti è quello più famoso, essendoci stato riproposto più e più volte, anche nella famosa trasmissione Storia di un italiano che anni fa celebrò Sordi in televisione. In realtà proprio il grande attore romano risulta il punto debole del segmento sceneggiato da Rodolfo Sonego e diretto da Comencini: il suo gigionismo nel tratteggiare la figura del monsignore è, almeno a tratti, logorroicamente insopportabile.

Una commedia che si può comunque vedere per divertirsi.

Non per soldi... ma per denaro (USA, 1966) di Billy Wilder. Con Jack Lemmon (Harry Hinkle), Walter Matthau (Willie Gingrich), Ron Rich (Luther "Boom Boom" Jackson), Judy West (Sandy), Cliff Osmond (Purkey), Lurene Tuttle (la mamma di Harry), Marge Redmond (Charlotte Gingrich), Harry Holcombe (O' Brien), Maryesther Denver (l'infermiera con la faccia da furetto), Sig Ruman (Professor Winterhalter).

Non è certo una delle migliori commedie di Wilder, ma è comunque un film godibile, soprattutto per la performance istrionica di Walter Matthau, che si guadagnò un meritato Oscar come miglior attore non protagonista. Il temi di fondo è la misoginia, incarnata dall'avida ex moglie di Harry, usata come esca per far ingoiare al candido protagonista tutta la messinscena ideata in danno della compagnia assicuratrice, nonché dalla piagnucolosa madre e dall'insignificante sorella del medesimo protagonista. E se il motore di tutta la vicenda è proprio l'avvocato fallito interpretato da Matthau, non si può non notare un sottofondo di velata matrice omosessuale, nel rapporto che si crea tra il giocatore di football "Boom Boom" Jackson e il protagonista (Lemmon). Infatti, nonostante che il prestante atleta dichiari di avere una fidanzata in ogni città in cui si reca a giocare (qui l'azione è ambientata a Cleveland), non lo vediamo mai in compagnia di una ragazza, se non di una bionda di colore che il ragazzone respinge in maniera sprezzante. E i problemi sportivi del giocatore cominciano non con l'incidente che mette in moto tutta la vicenda, bensì quando arriva a casa di Harry l'ex moglie Sandy, che lo estromette dal fare la donna di casa (abbiamo difatti visto Jackson cucinare e rifare il letto per il falso paralitico Harry).

Insomma, è un film che si può vedere divertendosi, anche se le situazioni buffe (ad esempio quella del consulto dei luminari, con il professore svizzero, interpretato dal veterano Sig Ruman, alla sua penultima recita, che continua a dire "Simula!") e le battute comiche latitano in maniera insolita per una commedia di Billy Wilder con Lemmon e Matthau.

Il titolo originale del film è The Fortune Cookie, che si riferisce al biscotto con la scritta secondo la quale "si può fregare tutti per un po' di tempo; si può fregare qualcuno per sempre, ma non si può fregare tutti per sempre". Robert Altman userà una variazione di questo titolo, Cookie's Fortune, per un suo mediocre film del 1999.

Alice (USA, 1990) di Woody Allen. Con Mia Farrow (Alice), Joe Mantegna (Joe), William Hurt (Doug), Keye Luke (dottor Yang), Cybill Shepherd (Nancy Brill), Alec Baldwin (Ed), Blythe Danner (Dorothy), Robin Bartlett (Nina), Linda Wallem (Penny), Bernadette Peters (la musa), James Toback (il professore), Elle Macpherson (la modella).

Anche questo film di Woody Allen del 1990 è una bella delusione. Fra l'altro mi è sempre piaciuta poco anche Mia Farrow, che qui imperversa. E inoltre in questo film siamo alla rimasticatura di vecchie battute. Sembra di sentire le battute dei vecchi film di Allen ripetute dalla Farrow. Lo spunto di partenza è l'Alice nel paese delle meraviglie di Carroll, filtrato attraverso una situazione simile a quella della Giulietta degli spiriti (1965) felliniana. L'ambiente è quello dell'alta borghesia newyorkese (sai che novità...), dove si muove la protagonista, inserita in una situazione matrimoniale compenetrata di realismo magico. Le situazioni si susseguono in una sfilza irritante di sequenze déjà-vu, con pochissime situazioni e battute divertenti e con espedienti narrativi (l'ipnosi, il sogno, le varie polverine magiche) che denunciano una pochezza d'idee e perfino una scorrettezza artistica che lasciano senza parole in un simile autore. L'unica battuta divertente c'è quando Alice sogna di reincontrare il suo primo amore, morto in un incidente stradale, e gli domanda se sia stato a letto con molte donne,  al che lui risponde «sì, ma tu sei l'unica che voleva farsi suora». E infatti Alice è perseguitata dai sensi di colpa instillatile ai tempi dell'educazione cattolica ricevuta dalle suore, tanto che alla fine della vicenda (che prevede che la mogliettina timorata abbia un flirt con un tizio conosciuto alla scuola delle figlie, con la successiva scoperta che anche il marito la tradiva), in un finale pressoché incomprensibile, sentirà la necessità di andare a Calcutta per aiutare Madre Teresa, anche se poi, chissà perché, preferirà trasferirsi in periferia per prendersi cura delle bambine (lavorare non se ne parla, non fosse mai).

L'unica sequenza veramente emozionante non l'ha girata Woody Allen, ma è quella che Alice e Doug vedono al cinema, con Madre Teresa tra i miserabili di Calcutta. Il resto è sfoggio di cappellini e abitini ben fotografati da Carlo Di Palma, autocitazioni del regista (alla fine le pseudoamiche dicono di Alice che «è proprio un'altra donna») e la solita sequela, ormai stucchevole, di brani jazz. Se è vero che ormai per Woody Allen il cinema ha una funzione terapeutica, che vada a curarsi in privato: vado io forse a fargli vedere le mie pasticche per la colite? Voto mio: 4.

Eccezzziunale... veramente (Italia, 1982) di Carlo Vanzina. Con Diego Abatantuono (Donato Cavallo/Franco Alfano/Tirzan), Massimo Boldi (Massimo), Teo Teocoli (Teo), Ugo Conti (Ugo), Stefani Sandrelli (Loredana), Franco Caracciolo (autostoppista), Clara Colosimo (suocera di Franco), Renato D'Amore (Sandrino il mazzulatore), Enio Drovandi (poliziotto toscano), Anna Melato (moglie di Franco), Yorgo Voyagis (lo slavo), Guido Nicheli (uomo del bar), Renzo Ozzano (commissario della sureté).

La vetta del cinema di Abatantuono prima maniera, quanto meno dal punto di vista commerciale, poiché a me piace di più I fichissimi (con il fratello ibrido e tutto il resto). In questo film, non più impacciato dalla presenza del mediocre Jerry Calà, Abatantuono diventa il vero e proprio mattatore, moltiplicandosi per tre personaggi che, nonostante facciano il tifo rispettivamente per Milan, Inter e Juve, rappresentano lo stesso tipo umano, quello già accennato per l'appunto nei Fichissimi (1981) e anche nella breve apparizione del fornaio di Fantozzi contro tutti (1980). Il tipo umano per il quale nella vita contano solo due cose, delle quali la seconda (ma molto spesso anche la prima) è il calcio.

Considerando che Eccezzziunale... veramente è un film quasi privo di sceneggiatura (le vicende sono davvero ridotte all'osso), si tratta comunque di uno spettacolino divertente, soprattutto in grazia dei monologhi stralunati del protagonista, irresistibile quando si sente male in curva ogniqualvolta il Milan subisce un gol.